"Escucha esto", de Alex Ross

“De Mozart a Radiohead, de Kurt Cobain a Brahms… Una joya tanto para los amantes del pop como para los aficionados a la música clásica”

The New York Times Book Review

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Con “El ruido eterno” Alex Ross consiguió un éxito sin precedentes en un libro sobre música: la unanimidad crítica y la popularidad entre los lectores lo convirtieron en el gran autor internacional sobre el tema. En “Escucha esto”, el crítico musical del New Yorker continúa su apasionada exploración de este arte, y «nos demuestra que comprender la música es una forma de entender el mundo» (Time).

Conjugando la vida y el arte, la música y la historia, Alex Ross teje atemporales retratos de los maestros canónicos –Mozart, Verdi o Schubert– a la vez que muestra su visión de la música pop y sus grandes iconos: Radiohead, Bob Dylan o Björk. Todos ellos personajes únicos, buscadores infatigables capaces de plasmar, en breves secuencias o acordes, sus poderosas personalidades individuales y la complejidad del alma humana.

La viuda de los Van Gogh

Aunque la historia del arte tienda a descuidar esa cronología, los célebres hermanos Van Gogh mueren con apenas seis meses de diferencia. En julio de 1890, se suicida Vincent, y en enero de 1891, tras una lenta agonía, marcada por el duelo y por un atisbo de locura, se apaga Théo. Había defendido con furia esos cuadros que no encontraban eco en el presente, y era el legatario de la obra y de su posteridad. Lo vencen la tristeza y la desesperanza.
Es entonces que Johanna Van Gogh Bonger, viuda de Théo, 28 años, con un hijo que aún no ha dado sus primeros pasos, comienza a frecuentar la correspondencia entre los hermanos. Busca saber quién ha sido su marido, pero descubre una prosa tan intensa como el brillo de los cuadros que la despiertan al amanecer.
Bajo este impulso, esa mujer -que es poeta, estudiosa de Percy Shelley, que simpatiza con el incipiente movimiento feminista y fue investigadora del Museo Británico- recupera parte de las telas de su cuñado que habían quedado abandonadas en París. Y organiza una primera muestra de Vincent Van Gogh en Holanda: apenas quince dibujos que se exhiben en La Haya.
Su vida cambia de rumbo. Y de algún modo, la nuestra también. Johanna sigue los consejos que encuentra en la correspondencia del propio Vincent Van Gogh, que había sido un excelente marchand en su juventud. Y lentamente, con esfuerzo, rescata una obra que tenía destino de olvido.
Podría decirse que este libro es la crónica de esos tiempos. Pero eso sería, cuanto menos, un elogio injusto y menor. “La viuda de los Van Gogh” es, antes que nada, una novela inolvidable. Por la historia que cuenta, por la escritura, por su inteligencia y su estilo. Cuando parecía que nada más podría decirse sobre los Van Gogh y su mundo, Camilo Sánchez  demuestra que la literatura sigue siendo capaz de producir milagros inesperados en forma de ficción. Quizás por eso estas páginas se leen con admiración y felicidad.

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El Buenos Aires de Ernesto Schoo

“Frente al desafío de escribir sobre la compleja ciudad de hoy, y la imposibilidad de abarcar a Buenos Aires en su tupida trama urbana –en realidad, hay varias ciudades distintas dentro de ella, cada una con sus rasgos propios, inconfundibles con los del barrio vecino–, avizoré una sola elección posible: referirme a «mi» ciudad (de ahí el título que otorgué a este libro), el espacio acotado en que ha transcurrido mi ya larga vida. Habrá lector que me reproche no ocuparme del tango, del barrio de La Boca, de la vida nocturna o de la calle Corrientes. He preferido dejar esos lugares comunes donde les corresponde, en las páginas de cuanta guía turística existe sobre el tema. Con la única excepción del Teatro Colón, porque ocupa un sitio preferencial en mi vida. Al releerme, al final de esta excursión totalmente subjetiva por las calles, los lugares y los edificios que me son familiares, advierto los límites, acaso estrechos, de mis andanzas porteñas: el barrio Norte, la Recoleta, Palermo, algo del centro, algo de barrios prestigiosos, como Belgrano o Flores. No mucho más: hay zonas enteras de la ciudad que me son ajenas, y lo lamento. Pero quiero ser fiel a mis escenarios conocidos y no pretender una ciudadanía ecuménica, esa suerte de «porteñidad» total a la que imaginariamente aspiran algunos vates trasnochados”.

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Por la boca muere el pez

Los dos maestros de la novela negra italiana conciertan sus plumas para ofrecernos un relato protagonizado por dos formidables sabuesos: el comisario Salvo Montalbano y la inspectora Grazia Negro. El origen de esa alianza es un pintoresco asesinato cometido en Bolonia: la víctima yace en el suelo con un solo zapato y la cabeza embutida en una bolsa de plástico. Junto a ella reposan también los cuerpos de tres peces rojos. La incógnita está en manos de la inspectora Negro, quien pide ayuda a su colega de Sicilia cuando descubre que el finado era paisano suyo. Se trata de un misterio suculento para el ávido apetito de Montalbano, pero éste intuye enseguida la presencia de una fuerza tenebrosa agazapada tras las rendijas del caso. La indagación parece de alto riesgo y no cuenta con el beneplácito de la jefatura, que ya ha puesto sospechosos palos entre sus ruedas. ¿Se atreverá el comisario? ¿Se decidirá a meterse en la boca del lobo, incómodo lugar donde ya reside su temeraria compañera del norte?

Dos grandes narradores juegan a entrelazar sus estilos, sus ocurrencias y sus fantasmas con una astuta sonrisa en los labios: el resultado es una obra ineludible para todos los aficionados al género negro o, simplemente, al voluptuoso placer de una lectura hechizada.

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Los escritos de Duchamp

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Diario El País, sección Cultura, 23 de marzo de 2012.

Marcel Duchamp, modo de empleo

Se publican sus 'Escritos' (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores)

Un acontecimiento editorial que contribuirá a descubrir al artista más allá de los tópicos

Es casi imposible exagerar la importancia y la influencia de Marcel Duchamp en el arte del siglo XX. De ahí que el lanzamiento del libro Escritos (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores) resulte un verdadero acontecimiento editorial que contribuirá a descubrir al artista más allá de los tópicos de su teoría de los ready mades, del célebre urinario y del bigote sacrílego sobre la copia de la Mona Lisa.

La versión española, a cargo de José Jiménez, se basa en la de Paul Matisse y Michel Sanouillet de 2008 en Flammarion (que a su vez parte de la efectuada en los cincuenta por el segundo de los autores), y reúne entrevistas, reflexiones de Duchamp sobre su propio trabajo, semblanzas de sus contemporáneos y entradas accidentales en un diario inconcluso.

Aquí adelantamos algunos extractos de un todo de indudable efecto autobiográfico y que funcionan como viajes al universo de uno de los creadores más extravagantes y seguramente incomprendidos del pasado siglo.

A propósito de los ready mades

“En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba. Unos meses más tarde, compré una reproducción barata de un paisaje de atardecer invernal, que llamé Pharmacie [Farmacia] tras haberle añadido dos breves toques, uno rojo y el otro amarillo, en el horizonte. En Nueva York, en 1915, compré en una quincallería una pala de nieve sobre la que escribí: 'En previsión del brazo roto' (In advance of the broken arm).

Fue por esa época cuando se me ocurrió la palabra readymade para designar esta forma de manifestación. Hay un punto que quiero establecer muy claramente y es que la elección de estos ready-mades nunca me vino dictada por ningún deleite estético. Esta elección se basaba en una reacción de indiferencia visual, adecuada simultáneamente a una ausencia total de buen o mal gusto... de hecho una anestesia completa.

Otro aspecto del ready-made es que no tiene nada de único...

La réplica de un ready-made transmite el mismo mensaje; de hecho casi todos los ready-mades que hoy existen no son originales en el sentido usual del término.

Una última observación para concluir este discurso de egomaníaco: como los tubos de pintura empleados por el artista son productos manufacturados y ya hechos, debemos concluir que todas las telas del mundo son ready-mades ayudados y trabajos de acoplamiento”.

Pinceladas vitales

“Lo que no va bien en el arte en este país [se refiere a EE UU, adonde Duchamp se trasladó por primera vez en 1915], y aparentemente también en Francia, es que no hay espíritu de rebeldía; no hay ideas nuevas que surjan de los artistas jóvenes. Estos pretenden lo mismo que sus predecesores, si bien intentando superarles. En arte, la perfección no existe. Y siempre se produce una pausa artística cuando los artistas de un período determinado se contentan con reanudar el trabajo de un predecesor en el punto donde éste lo ha abandonado y con intentar proseguir lo que hacía”.

“El Futurismo era un Impresionismo del mundo mecánico. Era la continuidad directa del movimiento impresionista. Eso no me interesaba. Yo quería alejarme del acto físico de la pintura. Estaba claramente más interesado en recrear ideas en la pintura. Para mí el título era muy importante. Me dedicaba a poner la pintura al servicio de mis objetivos, y a alejarme de la fisicalidad de la pintura. Para mí Courbet había introducido en el siglo XIX la influencia del aspecto físico. Yo me interesaba en las ideas y no simplemente en los productos visuales. Quería volver a poner a la pintura al servicio de la mente. Y, por supuesto, mi pintura fue inmediatamente considerada intelectual, literaria”.

Sobre otros artistas

“Matta, pintor. Unos años antes de la Segunda Guerra Mundial, Matta debutó como arquitecto, pero no tardó en orientarse hacia la pintura y hacia las teorías surrealistas que, aunque ya llevaran veinte años, se habían mantenido en vida gracias a la constante aportación de jóvenes y nuevos talentos. Matta figuró entre los últimos recién llegados. No tuvo que someterse a una rutina de escuela sino que de entrada supo imponer su visión personal. Su primera contribución a la pintura surrealista, y la más importante, fue el descubrimiento de regiones espaciales hasta entonces inexploradas en el campo del arte. Matta siguió a los físicos modernos en la búsqueda de su espacio nuevo que, aunque descrito en la tela, no debía confundirse con una nueva ilusión tridimensional. Su primer período se caracterizó por la lenta transposición de una exposición, el combate con todos los obstáculos de la pintura al óleo, medio que se presta a interpretaciones centenarias.

Ulteriormente, logró introducir en su espacio elementos descriptivos y figurativos que completaron aún más su importante realización. Aunque todavía joven, Matta es el pintor más profundo de su generación”. (M. D., 1946, recogido en Sociedad anónima).

“Joan Miró, pintor. Miró artista alcanzó su mayoría en el momento de terminar la Gran Guerra. Con el fin de las hostilidades llegó la terminación de todos los nuevos conceptos artísticos de antes de la guerra. Un joven poeta ya no podía empezar como cubista o futurista, y Dada era por entonces la única manifestación de importancia. Miró comenzó pintando escenas agrícolas del campo barcelonés, su país natal. Aunque realistas en apariencia, estos primeros cuadros se caracterizaban por un sentido notorio de intensidad irreal. Años más tarde, fue a París y se encontró entre los dadaístas que efectuaban por esa época su transmutación hacia el Surrealismo. Pese a tales contactos, Miró se mantuvo al margen de cualquier influencia directa y expuso una serie de temas donde la forma se hallaba sometida a un cromatismo acentuado y expresaba una nueva cosmogonía bidimensional, sin relación alguna con la abstracción. Realizó asimismo algunas construcciones en relación directa con el Surrealismo, pero el juego de elementos coloreados entre sí sería lo que mejor exteriorizaría su verdadera personalidad”. (M. D., 1946, recogido en Sociedad anónima).

“Pablo Picasso, pintor, escultor, grafista, escritor. El solo nombre de Picasso encarna la expresión de un pensamiento nuevo en el reino de la estética. Entre 1905 y 1910, Picasso, inspirado por las esculturas negras primitivas recientemente introducidas en Europa, llegó incluso a rechazar la herencia de las escuelas impresionista y fauve y a liberarse de cualquier influencia inmediata. La principal contribución de Picasso al arte habrá sido partir de cero y mantener esa frescura con respecto a todos los nuevos modos de expresión que marcarán las diversas épocas de su carrera. El Cubismo, en sí, fue un movimiento artístico en cuyo interior Picasso se limitó a ser un pionero. Nunca se sintió obligado a desarrollar una teoría del Cubismo, pese a haberla elaborado él mismo. Picasso, en cada uno de sus estilos, ha subrayado su intención de liberarse de todas las realizaciones anteriores. Una de las diferencias más importantes entre Picasso y la mayoría de sus contemporáneos, es que, hasta hoy, jamás ha manifestado ninguna señal de debilidad o de repetición en su caudal ininterrumpido de obras maestras. La única orientación permanente en su obra es un lirismo agudo, que, con el tiempo, ha adquirido crueles acentos. De vez en cuando, el mundo se busca una personalidad sobre la que descansar ciegamente –una adoración de esta índole puede compararse a una vocación religiosa y sobrepasa el razonamiento. Hoy en día miles de partidarios de las emociones artísticas sobrenaturales se vuelven hacia Picasso, quien jamás los defrauda”. (M. D., 1943, recogido en Sociedad anónima).

Para leer la nota completa: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/23/actualidad/1332529846_102992.html

“Sorgo rojo”, de Mo Yan

Mo Yan, Premio Nobel de Literatura 2012, es el autor más famoso, prohibido y al mismo tiempo pirateado de la China contemporánea. El éxito de “Sorgo rojo” (1987) –y de la adaptación cinematográfica realizada por Zhang Yimou (Oso de Oro en el festival de Berlín de 1988)– le permitió darse a conocer en Occidente. Ambientada en una zona rural de la provincia de Shangdong, “Sorgo rojo” es una novela sobre la familia, el mito y la memoria, en la que fábula e historia se unen para crear una ficción cruel e inolvidable. La narración arranca con la invasión japonesa de los años treinta, y cuenta, a lo largo de cuatro décadas de la historia de China, la conmovedora historia de tres generaciones de una familia. Mo Yan seduce al lector con las desventuras del comandante Yu Zhan’ao y de su joven amante, una chica obligada a casarse con el hombre que su padre ha dispuesto, un viejo leproso muy rico que posee una destilería.

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“La distancia infinita”, poesía de Mario Morales

“La distancia infinita” recoge una selección de poemas de Mario Morales, quien, desde sus inicios junto a sus maestros Antonio Porchia y Roberto Juarroz y hasta su muerte, vivió la poesía con una exigencia sin miramientos. Como señala María Julia De Ruschi en el prólogo, el poeta que a lo largo de su obra no dejó de meditar acerca de la palabra poética supo cantar al amor y al dolor de la condición humana de manera conmovedora, porque para Morales la poesía era una tarea del espíritu en la que se ponía en juego la propia existencia, porque creía, con Artaud, que “vivir es quemar preguntas”.
La poesía de Morales, que no deja de interrogarse sobre el oficio poético, evoca la tensión y el desgarramiento entre el desamparo de la soledad y la muerte y el cántico celebratorio que expresa la gioia, la alegría de estar vivo. En sus versos hay una musicalidad que abreva en los quiebres rítmicos del bebop y en la repetición que se despliega en un verso de largo aliento.
Transmitió su compromiso con la palabra poética, con esa antigua práctica "cuyo sentido yace en el misterio del corazón", con una pasión y una generosidad tales que encendió el fuego en sus discípulos.
“La distancia infinita” rescata la obra de un poeta que recreó, desde la lucidez de la incertidumbre, la apuesta por la palabra, por ese golpe de dados que no abolirá el azar pero que lo hallará intentándolo una y otra vez. Un poeta que, en el desamparo de los tiempos de penuria, supo, ante todo, pasar la antorcha.

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Coppola y de Zuviría: una mirada de Buenos Aires

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Este libro ofrece dos miradas distintas y complementarias sobre Buenos Aires. La de Horacio Coppola permite asomarse a la ciudad a través de sus imágenes más emblemáticas del paisaje urbano y con las que construyó su Buenos Aires personal: calles céntricas y suburbanas, barrios característicos, cambios edilicios. Las fotografías elegidas fueron tomadas entre 1929 y 1936 y se incluyen varias fotos inéditas de los negativos originales.
Las fotografías pertenecientes a Facundo de Zuviría intentan mantener un equilibrio entre los paisajes urbanos y la abstracción poética, siguiendo de esta manera el espíritu coppoliano. Aparecen así frentes edilicios, vidrieras de negocios y los barrios, en los que el artista piensa que perdura un Buenos Aires esencial y profundo.
El retrato conjunto de la ciudad que presenta este libro muestra entonces, a través de las miradas de los dos creadores, algo que se mantiene arraigado, una esencia urbana que subyace inmutable detrás de las fachadas y de su gente, difícil de definir pero que intuimos: el alma de Buenos Aires.

Los cuentos de los hermanos Grimm

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En homenaje al 200º aniversario de los cuentos, “Los cuentos de los hermanos Grimm” trae a la vida veintisiete de los más amados cuentos de hadas clásicos de los Grimm, incluidos todos los clásicos, como "La Cenicienta", "Blancanieves", "La bella durmiente" y "Hansel y Gretel", en una nueva traducción encargada especialmente para esta publicación. Además de una cuidada selección de material gráfico de algunos de los ilustradores más famosos de las décadas de entre 1850 y 1950 —incluidos la leyenda de la edad dorada Kay Nielsen, el superventas Gustaf Tenggren, los favoritos británicos Walter Crane y Arthur Rackham y los gigantes de la ilustración alemana Gustav Süs, Heinrich Leutemann y Viktor Paul Mohn, así como varios talentos recién descubiertos—, esta compilación también incluye de principio a fin bonitas siluetas extraídas de publicaciones originales desde la década de 1870 a la de 1920. También se intercalan en el libro docenas de siluetas completamente nuevas, diseñadas especialmente para este volumen. Además de los cuentos, el libro incluye una introducción sobre el legado de los Grimm, breves textos introductorios a cada cuento y extensas biografías de los artistas en el apéndice. Para adultos y niños por igual, esta colección ilustrada trae a la vida la magia eterna de los cuentos de los Grimm, la segunda serie de historias más leída del mundo después de la Biblia.

Caos: la creación de una ciencia

En los años ochenta físicos, biólogos, astrónomos y economistas crearon un modo de comprender la complejidad en la naturaleza. La nueva ciencia, llamada caos, ofrece un método para ver orden donde antes sólo se observaba azar e irregularidad, traspasando las disciplinas científicas tradicionales y enlazando especies inconexas de desorden, desde la turbulencia del tiempo atmosférico a los complicados ritmos del corazón humano, desde el diseño de los copos de nieve a los torbellinos arenosos del desierto. A pesar de surgir de una ardua actividad matemática, el caos es un saber del mundo cotidiano: cómo se forman las nubes, por qué se eleva el humo o cuál es la razón de que el agua se arremoline en los ríos. “Caos” - ya un clásico de la divulgación científica- es el relato de una idea que espantó y embrujó a los científicos que se dedicaron a comprobarla.

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Marilyn Monroe: íntima

Taschen ha unido ahora el texto original de Mailer a las fotografías de Bert Stern de la legendaria sesión ‘Last Sitting’, consideradas las instantáneas más íntimas jamás  tomadas de ‘la Monroe’, para crear un homenaje adecuado a la mujer que, en el momento de su muerte en 1962, era el símbolo de glamour y erotismo más famoso del mundo para toda una generación. Pero, aunque era festejada y adorada por su público, su vida privada era la de una niña perdida y desesperada por encontrar amor y seguridad. La Marilyn de Mailer es hermosa, trágica y compleja. A medida que Mailer repasa su vida —desde su infancia sombría, los violentos y a veces escabrosos primeros años, el superestrellato o la inestable vida romántica hasta las misteriosas circunstancias de su muerte—, ella surge como un símbolo de la extraña década durante la cual reinó como la mayor estrella femenina de Hollywood.

Este libro, concebido por Lawrence Schiller, colaborador de Mailer en cinco obras, combina el texto magistral del escritor con las penetrantes imágenes de Stern de Marilyn a los 36 años. Fotografiada para la revista Vogue durante tres días en el hotel Bel-Air , Marilyn nunca se había mostrado tan accesible ni se había visto tan sumamente hermosa. Seis semanas más tarde, misteriosamente, estaba muerta. En esta síntesis audaz de clásico literario y legendaria sesión de retratos, Mailer y Stern corren el velo de confusión que rodea a la Monroe —la mujer, la estrella, el sex symbol— y observan con atención una figura emblemática cuya verdadera personalidad se mantiene esquiva y enigmática aún hoy.

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Bici Zen: ciclismo urbano como camino

"Bici zen propone una práctica simple, armónica, responsable, plena. Revaloriza el andar como vía de conexión con el Todo. ¿Qué más zen?"

Edgardo Werbin

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Detrás del auge del ciclismo urbano, determinado por la necesidad de una movilidad sustentable y alternativa frente a los medios tradicionales de transporte, subyace un acto más primordial y no menos urgente: experimentar y gozar de un tipo de vivencia cercana a la meditación. En ese sentido, el zen parece haber sido especialmente diseñado para que el ciclista comprenda lo que ocurre en su cuerpo, en su mente y en ese ámbito de sí mismo donde no llegan las palabras. Entonces, algo tan sencillo como pedalear se vuelve otro viaje, una auténtica práctica de reencuentro con una naturaleza más íntima. Bici zen: un libro vital, sensible, y a la vez un manual que incluye ejercicios e instrucciones de uso para andar, pero también para dejarse llevar.

El cuaderno de Bento

Durante su breve existencia, el célebre filósofo Baruch Spinoza, padre de la Ilustración, llevó un cuaderno de apuntes que se perdió tras su muerte. En "El cuaderno de Bento", el pintor, ensayista, activista y novelista John Berger imagina el aspecto que podría haber tenido ese cuaderno: un reflejo de cómo el arte puede orientar la mirada.
Un puñado de maravillosos dibujos, relatos iluminadores -como el de la anciana nadadora que tuvo que huir de Camboya-, y profundas reflexiones acerca de las flores, el cuerpo humano, el baile, los supermercados, los bufones de Velázquez, la ropa de bebé y las distintas formas de resistir a la crudeza del mundo.

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John Berger (Londres, 1926) se formó como pintor en la Central School of Arts. Además de un gran escritor –con G. obtuvo en 1972 el prestigioso Premio Booker–, es uno de los pensadores más influyentes de los últimos cincuenta años. Autor de novelas, ensayos, obras de teatro, películas, colaboraciones fotográficas y performances, ninguna manifestación artística se ha escapado a su talento. Sus ensayos y artículos revolucionaron la manera de entender las Bellas Artes.

100 clásicos del cine

Taschen ha seleccionado los filmes más destacados del siglo XX. Dos volúmenes con lo mejor del séptimo arte.
Desde el género de terror a las historias de amor, desde el cine negro a la comedia, desde la aventuras a la tragedia, desde las cintas épicas hasta el musical, desde las películas del oeste a la nouvelle vague, todos los géneros aparecen representados en esta amplia y entretenida colección. ¿Metrópolis? Por supuesto. ¿Tiempos modernos? Sin dudarlo. ¿Ciudadano Kane, Los siete samuráis? Se sobrentiende. ¿La dolce vita, Psicosis, La naranja mecánica? Claro que sí. Sin olvidar El Padrino, Annie Hall, Terciopelo azul, Pulp Fiction y muchas otras joyas del cine. Considere esta colección como una fiesta de contrastes, un homenaje al séptimo arte, una reunión de los más grandes y un recorrido nostálgico por la historia del celuloide.
Aparte de los textos cronológicos, ofrecemos un resumen de cada película y listas de reparto, informaciones técnicas, biografías de actores o directores, datos curiosos y una lista de los premios obtenidos; así como fotogramas, imágenes del rodaje y el cartel original de cada película.

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Historia del traje en occidente

"Historia del traje en occidente" es un clásico de la historia de la moda. Escrita por el historiador francés François Boucher, en esta nueva edición, su monumental trabajo ha sido rigurosamente ampliado y revisado por un equipo de expertos internacionales. El libro constituye un manual básico que mezcla un rigor y exhaustividad propios de otra época con una presentación y unos contenidos totalmente actualizados, y convierten al clásico de François Boucher en una obra fundamental.
A través de la exploración profunda de las fuentes historiográficas, de la confección y la fabricación, de la iconografía, y de la evolución de las formas del traje, Boucher aborda un panorama amplio y completo que abarca desde la tosca vestimenta prehistórica hasta la armonía estudiada del traje antiguo, o desde el austero atuendo de la Edad Media hasta las modas refinadas y llenas de fantasía de los tiempos modernos.
El libro está integrado por una extensa selección de ilustraciones, rigurosamente elegidas y siempre significativas, que constituyen un catálogo gráfico de incalculable valor para conocer a fondo la historia del traje. Pero no se detiene solamente en el mero registro documental, y realiza también un análisis transversal del complejo fenómeno de la moda y la vestimenta, donde se tienen en cuenta tanto los aspectos materiales de esta dimensión de la vida del hombre como sus motivaciones psicológicas. La historia de las costumbres hace, pues, también acto de presencia, y el traje se muestra como signo social, en su papel diferenciador entre edades, clases, funciones o profesiones, y en su papel como reflejo de la expresión personal de cada individuo.
El libro está organizado en quince capítulos ordenados cronológicamente desde la Prehistoria hasta la actualidad y centrados en las regiones más pujantes de cada época: Oriente Medio, Creta, Egipto, Grecia, Roma, el Mediterráneo, Europa y, finalmente, la globalización. La obra está completada por una exhaustiva bibliografía de obras generales y específicas sobre el traje, los textiles y los accesorios de cada lugar y época tratados; un extensísimo glosario de términos históricos y técnicos; y, finalmente, un índice de modistos, creadores, peleteros, sombrereros, zapateros y estilistas.

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Libros para los más chicos

El pequeño teatro de Rebecca

Casi un centenar de personajes se suben al escenario del pequeño teatro de Rébecca Dautremer. Un libro con espectaculares troqueles que recoge muchos de los personajes y algunas frases de los libros de esta magnífica ilustradora. Una obra de arte de una belleza extraordinaria.

La verdadera explicación

¿Alguna vez te preguntaste cómo fue el origen del universo? ¿Imaginaste de dónde surgen la risa, los fantasmas, el viento o la paciencia? ¿O cómo se originan los malos olores? ¿Y las buenas ideas?
¡Cuidado! Este libro contiene las explicaciones más disparatadas de estas y de muchas otras preguntas más.

Iyoké y el terrible Nia

“¡Qué manos tan grandes tienes! ¡Qué boca tan grande tienes!”. El pequeño Iyoké se burla sin parar del terrible Nia, que siempre tiene hambre. ¿Podrá acabar bien algo así? Una historia animada con páginas desplegables. ¡Un libro sorprendente!

Pantuflas de perrito

Inspirado en textos escritos por niños, Jorge Luján creó esta colección de poemas. En ellos se pueden oír las voces de los chicos y el poeta; también, los ladridos, maullidos y gruñidos de sus mascotas.

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Fútbol x 3

Aviones en el cielo, de Eduardo Sacheri

"Para los amantes del deporte y de la literatura, el nombre de Eduardo Sacheri no es uno más. Es el autor de” Esperando a Tito”, un libro que debe leer todo amante del fútbol y los cuentos sobre el potrero y la niñez junto a la pelota. Además, es el novelista de “La pregunta de sus ojos”, la historia en la que se basó la película argentina ganadora del Oscar, “El secreto de sus ojos”. Desde enero de 2011, Sacheri comenzó a trabajar para El Gráfico. Su nuevo libro, “Aviones en el cielo”, es una recopilación de todas sus columnas para la revista. "Hablar de fútbol es una manera estupenda de hablar de cosas mucho más importantes que el fútbol", comentó Eduardo Sacheri a Clarín, intentando revelar la real profundidad de su nuevo libro. El título hace referencia a la primera columna que escribió (en el libro aparece última), en la que relata con emoción cómo atravesó la obtención de la Copa Sudamericana 2012 que ganó Independiente, los lazos con su hijo, la muerte y la herencia paterna. "No es un libro de cuentos de fútbol", aclara Sacheri. Acá se permite hablar "como cualquier otro futbolero" de temas como los barras, los árbitros, la influencia de la familia a la hora de ser hincha de un club, y mucho más. “Aviones en el cielo” es un emotivo tributo al fútbol, que logrará que más de una lágrima caiga hasta de los ojos más insensibles. Muchos se sentirán representados en él.

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Ida y vuelta, de Martín Caparrós y Juan Villoro

Durante el Mundial de Sudáfrica, día tras día, carta tras carta, Martín Caparrós y Juan Villoro recuperaron la pasión esencial de los hinchas: convertir el fútbol en palabras. Caparrós recorría el mundo mientras Villoro veía el campeonato en su sillón de largo recorrido. Un nómada y un sedentario definían sus horas a partir de lo ocurrido en la cancha, y se lo escribían en una correspondencia inverosímil. Al hablar de goles, golpes, contragolpes, jugadas y jugadores, hablaban de las extrañas casualidades y supersticiones que definen el juego y el destino.
En “Ida y vuelta”, el autor de “Boquita” y el de “Dios es redondo” confirman que el fútbol sucede para garantizar la amistad y la polémica, y que las gestas que existen por un día existen para siempre. Gracias a dos testigos de excepción, las emociones que parecían fugaces se vuelven literatura.
Cuando Andrei Biely y Aleksandr Blok se conocieron, sellaron su amistad con una costumbre rusa: intercambiar camisas. Martín Caparrós y Juan Villoro discuten de todo lo que puede provocar el fútbol hasta ese punto en que la identidad es tan completa que permite la versión deportiva de la transmigración de las almas: intercambiar camisetas.

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Esto (también) es fútbol, de Javier Tabares y Eduardo Bolaños

"Este libro reúne las anécdotas más divertidas y curiosas del deporte nacional favorito. Los periodistas Javier Tabares y Eduardo Bolaños hicieron un trabajo de recopilación para el cual realizaron numerosas entrevistas y relevaron los medios gráficos y audiovisuales más importantes del país.

El resultado es el libro de anécdotas sobre el fútbol más completo que se haya publicado en la Argentina, con historias de toda clase y color sobre las grandes estrellas, sobre jugadores de hoy y de ayer, sobre entrenadores, árbitros y periodistas deportivos."

Fernando Niembro

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Cuentos de tenis

Fabio Morábito, con su talento tan singular para desdibujar los límites entre lo posible y lo extraño, va tejiendo, en torno a la cancha de tenis, un mundo suntuoso hasta la gratuidad y delicadamente despiadado; J. P. Donleavy, por medio de su prosa desbordante y excéntrica, da cuenta de un Wimbledon en el que aún persisten las raquetas de madera y algunas glorias que ya son historia; el tenis como propiciador de una aventura inusualmente afortunada está presente en el cuento clásico de Somerset Maugham, y como epicentro de una felicidad tan perfecta que provoca indignación, en el cuento de Guillermo Martínez, atravesado por un humor inteligente y desconsiderado. La carga de discriminación y de maldad que es posible en unos correctos hombres de negocios que juegan al tenis (Paul Theroux), la cancha de tenis como testigo inalterable de un matrimonio que se derrumba (John Updike), la persistente belleza del juego de un gran tenista (William T. Tilden), el tenis como sueño imposible de un ascenso social (Daniel Moyano), las vicisitudes de una derrota tenística sin atenuantes (A. A. Milne), el interior, desesperado y feroz, de un chico talentoso para el tenis y desahuciado para la vida en sociedad (David Foster Wallace), el tenis como trasfondo de una historia galante con derivaciones indeseables (Adolfo Bioy Casares), van construyendo un mosaico de universos dispares que se revelan con el pretexto del tenis y que, a la vez, son el pretexto para revelar un juego en el que caben la pasión, la destreza, la venganza, el fracaso y la búsqueda de felicidad. Una antología que estaba faltando.

Liliana Heker

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“Noches azules”, de Joan Didion

«Durante las noches azules uno piensa que el día no se va a acabar nunca. A medida que las noches azules se acercan a su fin (y lo hacen, lo hacen siempre), uno experimenta un escalofrío literal, una visión de enfermedad, en el mismo momento de darse cuenta: la luz azul se está yendo, los días ya se están acortando, el verano se ha ido. Este libro se titula “Noches azules” porque en la época en que lo empecé a escribir sorprendí a mi mente volviéndose cada vez más hacia la enfermedad, hacia la muerte de las promesas, el acortamiento de los días, lo inevitable del apagamiento, la muerte de la luz. Las noches azules son lo contrario de la muerte de la luz, pero al mismo tiempo son su premonición.»
En su celebrado libro “El año del pensamiento mágico”, Joan Didion contemplaba cómo los rituales que formaban parte de su vida cotidiana cambiaban drásticamente con la súbita muerte de su  marido en 2003. Dos años después su única hija, Quintana Roo, moría a los treinta y nueve años de edad. En su nueva obra, “Noches azules”, Joan Didion hilvana instantáneas literarias y recuerdos olvidados sobre la vida y la muerte de su hija. “Noches azules” versa sobre lo que queda tras la pérdida de un ser querido.

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Historia en primera persona

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“La segunda guerra mundial”, de Winston Churchill

Winston S. Churchill, testigo excepcional de la segunda guerra mundial, brinda un testimonio "en primera fila" del campo de batalla con su pluma lúcida e incisiva, y describe el transcurso y los principales episodios: el camino hacia el desastre desde el Tratado de Versalles hasta que Hitler conquista Polonia, la caída de Francia y la batalla de Gran Bretaña, el bombardeo de Londres, las operaciones anfibias en el norte de África e Italia, el día D, Pearl Harbor, la liberación de Europa Occidental, la caída de Mussolini, la liberación de Europa Occidental, el lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima y Nagasaki... Esta obra ofrece una visión diferente y definitiva de uno de los episodios más cruciales de la historia de la humanidad, que cambió el rumbo del panorama político, económico y social tanto europeo como mundial. Un extraordinario documento, considerado una obra maestra de la literatura del siglo XX, que trasciende cualquier género para constituir un clásico de la política, la diplomacia y la estrategia militar.

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“Mi vida”, de León Trotsky

A lo largo de 45 capítulos, Trotsky relata su infancia, su juvenil inicio en la vida revolucionaria, cárceles, fugas y exilios, su participación en la Revolución de 1905, sus conclusiones e innovaciones teóricas, sus relaciones con la II Internacional, su ruptura con ella en la I Guerra Mundial, su ingreso al partido de Lenin antes de codirigir con él la conquista del poder en Octubre de 1917, su rol central en la guerra civil, en Brest-Litovsk y, especialmente en la oposición, desde sus inicios, al proceso de burocratización de la URSS.

Siendo una de sus obras más conocidas, esta edición en castellano, además de incorporar otros artículos autobiográficos, es una nueva versión, revisada y corregida, según la edición francesa abreviada publicada por A. Rosmer en 1953, quien le agregó un Apéndice de su autoría, que recorre los últimos años de exilio de Trotsky en Turquía, Francia, Noruega para finalizar en México, donde será asesinado por un sicario de Stalin. 

Un encuentro entre Paul Auster y J.M. Coetzee

Aunque llevaban años leyéndose mutuamente y estaban en contacto desde 2005, Paul Auster y J.M. Coetzee no se conocieron en persona hasta febrero de 2008, cuando Auster y su esposa, la novelista y ensayista Siri Hustvedt, asistieron al Adelaide Literary Festival, en Australia. Poco después Auster recibió una carta de Coetzee proponiéndole embarcarse en un proyecto común en el que «podamos sacarnos chispas el uno al otro».
“Aquí y ahora” es el resultado de esa propuesta: un diálogo epistolar entre dos grandes escritores que se convirtieron en grandes amigos. El deporte, la paternidad, la crisis económica, el arte, el incesto, las malas críticas, la infancia, el matrimonio, el amor... son solo algunos de los temas que tratan en los tres años que cubren estas cartas. Llena de citas, anécdotas personales y referencias cinematográficas, esta correspondencia ofrece un retrato íntimo de dos de los escritores contemporáneos más interesantes.

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A continuación, una nota publicada en el diario "El País" el día 2 de diciembre de 2012.

“Toda forma artística es como el sexo”

- Se publica en España 'Aquí y ahora. Cartas 2008-2011'

- El libro recoge la correspondencia entre el autor de la 'Trilogía de Nueva York' y J. M. Coetzee

Andrea Aguilar. Nueva York, 2 DIC 2012

Paul Auster (Newark, 1947) confiesa que no sabe si es el miedo a decir una estupidez o la tensión de no saber qué contestar lo que provoca que en las entrevistas olvide las respuestas tan pronto como las pronuncia. “¿Te ha ocurrido algo así en el pasado, o soy el único afligido por esa peculiar forma de amnesia?”, pregunta en una de las cartas que durante tres años se cruzó con J. M. Coetzee (Ciudad del Cabo, 1940), reunidas en el libro Aquí y ahora. Cartas 2008-2011 (Anagrama / Mondadori). Esta mañana de finales de noviembre, el autor de Trilogía de Nueva York se muestra relajado en un café de Brooklyn frente a una taza de café y unas tostadas de pan integral. “Bueno”, sonríe taciturno. “Es que más que una conversación, las entrevistas son un interrogatorio”.

Su charla epistolar con el premio Nobel sudafricano afincado en Australia es distendida, pero planeada. Auster le había pedido un texto para una antología de Beckett años atrás, pero no fue hasta 2008, en un congreso celebrado en Adelaida, cuando se conocieron. “Conectamos muy rápido y pensamos que estaría bien colaborar, hacer un libro”, explica. Decidieron recurrir a las cartas —mandadas en sobre con sello en su mayor parte y levemente editadas para su publicación— para intentar recrear sus conversaciones, como si vivieran en la misma ciudad. Así, en el verano de 2008, Coetzee arranca con una serie de reflexiones en torno a la amistad. Sospecha que, a pesar de su importancia, se ha escrito más bien poco sobre el tema, y tras visitar una biblioteca y consultar los textos de Aristóteles, entre otros, concluye que no se puede trabar amistad con un objeto inanimado; que se puede tener amigos a los que prefieres no ver; y que, en general, en Occidente los hombres evitan hablar de lo que sienten. La amistad es un enigma, confirman.

En sus textos intercambian historias y pensamientos, asuntos cotidianos y comentarios sobre la actualidad. A partir del sentimiento de culpa que comparten por pasar tantas horas viendo deportes por televisión, Auster recuerda la invitación que le mandó, cuando solo tenía ocho años, para su fiesta de cumpleaños al quarterback Otto Graham, al que idolatraba, y Coetzee escribe de la perpetua y absurda búsqueda del heroísmo en el espectáculo. Los ataques en Gaza llevan al sudafricano a establecer paralelismos entre la actitud de ciertos israelíes hacia los árabes y la que tenían determinados blancos hacia la población negra en su país; Auster opta por el humor y se pregunta si no sería posible establecer Israel en Wyoming. “Tenemos sensibilidades distintas. Él es un pensador muy puro y yo tiendo a procesar las cosas a partir de historias, de experiencias”, explica Auster. También tocan la debacle de Wall Street, que les lleva a pensar que el dinero es el summum de la ficción, un sistema sustentado en la fe. ¿Son las novelas también cuestión de fe? “Toda forma artística exige entrega, renuncia por parte del público. Como dice mi esposa, es como el sexo: si no te relajas, no disfrutas”.

Para leer la nota completa: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/02/actualidad/1354475230_878506.html

“La gran casa”, de Nicole Krauss

Cinco años después de la publicación de La historia del amor, su extraordinaria segunda novela, que fue traducida a treinta y cinco idiomas y la situó en el panorama de la literatura internacional, Nicole Krauss —elegida entre los mejores veinte escritores estadounidenses menores de cuarenta años— ha escrito una nueva aproximación al insondable tema del amor, la memoria y la pérdida, una historia que llevará al lector a lo largo de un viaje lleno de pasión y melancolía, desde Nueva York a Jerusalén, de Londres a Budapest, y desde los años cuarenta hasta nuestros días.
El insólito protagonista es un viejo escritorio que pudo haber pertenecido a Federico García Lorca y que se vuelve un objeto de fascinación o repulsión para aquellos que conviven con él. El imponente mueble, uno de cuyos diecinueve cajones está permanentemente cerrado, se torna así el hilo conductor entre los distintos ámbitos donde se desarrolla la novela. En Nueva York, una escritora ha estado utilizándolo desde que en 1972 se lo prestara un poeta chileno, Daniel Varsky, víctima de la policía secreta de Pinochet. Un día, una mujer que dice ser la hija de Varsky reclama el mueble, y la vida de la escritora ya no será la misma. Al otro lado del océano, en Londres, un hombre descubre el secreto que durante cincuenta años le ha escondido su mujer. Y por último, una joven norteamericana que estudia en Oxford traba amistad con una excéntrica pareja de hermanos cuyo padre es un anticuario israelí especializado en recuperar muebles expoliados por los nazis. Llevando su arte narrativo a un nivel insospechado, Krauss reúne pacientemente los elementos en apariencia dispares de un relato fragmentado hasta convertirlo en una cautivante metáfora de la memoria y de la herencia, no sólo material sino sobre todo emocional.

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Poemas completos de Néstor Perlongher

“Hay cierta tendencia a pensar la expresión poética como subjetividad, como expresión del ego. Entonces la poesía queda oscilando entre la sentimentalidad y el narcisismo. Sin embargo, pienso que lo importante de la poesía es esa posibilidad de pasar a un orden de lo alucinante. Este es el extremo de la intensidad que tiene que ver con el éxtasis. Por eso el lenguaje de la poesía se aparta del orden del discurso convencional. Remitiría, el lenguaje poético, más a un flujo que está circulando por abajo y que tiene que ver con la alucinación”.

Néstor Perlongher

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PASO DE LA SERPIENTE

serpientes breves, de pasos evaporados

Lezama Lima

1.

DE LA SERPIENTE EL PASO traslúcido

babea en el instante el eco que se abomba

o tapiza de jades, como un pespunte verde

alza coloraciones en el giro del espacio increado,

trasnatural, su giba en roce desleyente

borra casi olvidando las leyendas del jabón

mas del halo al halarlo resurgen contraseñas

o anulares que enseñan la lucidez del paso.

2.

SERPENTINA DE LOBRAS en el ballet mohave

mojándose a la sombra de espiraladas araucarias

por marcar en la hiedra la levedad de un paso

que es en verdad el paso de la hierba por el aire

mojado de los círculos de ojos hueros en salitrosos

vidrios fintas de macramé escandiendo le cítara

pupilar, su enamorado colibrí la córnea cornea

simulando en la alfombra del musgo

en lo aguado del aire ese rocío del humo en su

dehiscencia.

Un encuentro entre danza y filosofía

Dos prácticas cruzadas, la de la danza y la de la filosofía, como campo intensivo en el que circulan (caminan, rolan, componen, articulan, presentan, piensan) imágenes y cuerpos. Una inquietud que pasa de una a otra en vaivén, pero que en su velocidad de vaivén (o en su lenta cadencia) abre una brecha que toma todo en un torbellino, o en una neblina, donde el imperio de las formas cede el paso al misterio de las fuerzas.
¿Cómo se relacionan dos heterogeneidades? Tras esta pregunta parte Marie Bardet, bailarina y filósofa a la vez, al mismo tiempo, deliberadamente, con prácticas variadas entre los pisos de baile, las aulas universitarias, y los monstruos híbridos que instituye.
Y en torno a esta pregunta, formulada, trabajada, atravesada y espesada por múltiples derivaciones construirá un vasto –y crujiente- aparato conceptual-escritural para pensar las prácticas en la danza y (quiera Dios) en la filosofía.
Libro polifónico que reúne las voces de escritores, filósofos, bailarines, coreógrafos, y algún que otro espíritu fantasmal, Pensar con mover logra además el prodigio de poner a funcionar una de las filosofías más potentes de la vida, del tiempo, de la creación, la de Henri Bergson, en el meollo de todas las inquietudes inmanentes a la danza. Pero no como una aplicación, o en sobrevuelo, o desbrozando la tierra, sino en el discurrir común de un mismo flujo continuo y heterogéneo, moviente, descubriendo que aquello ya danzaba en sus imágenes-movimiento, en sus imágenes-luz, o que el baile ya pensaba -¿con los pies, como quería Nietzsche?- no sobre sus movimientos sino con ellos.

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La tercera fábrica / “Érase una vez”

Víktor Shklovski, autor de una importante obra de teoría literaria y precursor del formalismo ruso, aparece en “La tercera fábrica” (1926) y “Érase una vez” (1964) como el protagonista de un conjunto de memorias donde se registra una época decisiva: las primeras décadas del siglo XX. Años de acción, años de revolución y guerras, años de grandes ideas en los que el genio no era suficiente para vivir: había que estar dispuesto a “meterse en la picadora de carne”.
¿Cómo escribir sobre esos años? ¿Cómo narrar el recuerdo de ese momento en que el individuo, finalmente, terminaría disolviéndose en un sueño colectivo? ¿Cómo afirmar que, detrás y por encima de todo, está la vida? El recuerdo de Shklovski es el de todo aquello que contribuyó a construir la vida, lo que se combina formando la fábrica de la vida, la "tercera fábrica": la familia, la ciudad de San Petersburgo, los hombres que marcaron la época –Maiakovski, Blok, Gorki, Lenin, los futuristas, los formalistas–, la revolución, el trabajo, la literatura, el mundo del arte, la incipiente cinematografía, las discusiones que se volvieron combates, la teoría que se volvió guerra.
En las dos obras que componen este volumen, traducidas del ruso al español en forma directa y completa, la conmovedora sensibilidad y el estilo preciso, personal y vigoroso de Shklovski envuelven al lector en el rumor de su tiempo, que encuentra en estas memorias uno de sus ecos más resonantes.

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Economía a contramano

Toda economía es política, ese es el eje transversal sobre el que Alfredo Zaiat nos enseña a interpelar los postulados más convencionales para poder entender cómo los procesos políticos de la Argentina transitan por la economía, no como modelos, sino como proyectos de país.
¿Por qué los economistas son considerados gurúes? ¿Por qué los argentinos insisten en comprar dólares? ¿Qué nos muestran y qué nos ocultan las estadísticas? ¿Quién se va favorecido cuando se simplifica el problema de la inflación? ¿Cómo y quiénes consolidan el poder financiero? ¿Cuál es el rol del Estado en la economía? ¿La Argentina tiene una burguesía fallida? El repertorio de preguntas es fascinante y constante para los argentinos, que aún podemos caer víctimas de la ilusión de la respuesta rápida.
Zaiat nos invita a entender la economía política y a cuestionar ideas tradicionales, supuestos sobre los que el neoliberalismo ha descansado cómodamente.

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Salvador Benesdra x 2

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El traductor

Ricardo Zevi traduce para Turba -una editorial de izquierda y de las últimas que a comienzos de los 90 aún tenía un traductor en planta- a un filósofo liberal y racista que estaba terminando de remover las pocas coordenadas ideológicas que le quedaban. Había caído el Muro de Berlín y la URSS colapsaba dejando una parte alarmante de la sociedad “en manos de una mafia reconvertida del stalinismo al robo y la trata de blancas”. En eso pensaba Zevi cuando en un bar conoce a Romina, una salteña adventista que recorría las mesas llevando la palabra del Señor. El desafío de levantársela le es irresistible. Romina resulta ser justo lo que necesita, alguien capaz de vivir las aberraciones e inclemencias del destino como una estratagema de Dios, pero junto con el amor surgen también los obstáculos. Los problemas sexuales abren la puerta a la perversión y la violencia. Mientras en Turba, ese reducto hasta entonces inmune a la explotación debido a las ideas progresistas de sus dueños, comienza a operar el “remedio milagroso” de la flexibilización laboral.

Una novela extraordinaria que con una prosa de tono lírico y una fuerza abrumadora retrata y reflexiona acerca del mundo del trabajo, el desbande sindical y la crisis de la izquierda en tiempos de ajuste neoliberal y menemismo, pero también acerca de las posibilidades e ironías del amor en medio de la desesperación y la impotencia. En palabras de Elvio E. Gandolfo, “una de las mejores novelas argentinas que se hayan escrito desde 1810″.

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El camino total

A principios de los 90, Benesdra se adentra en la autoayuda partiendo de una convicción contraria a la que subyace en la mayoría de los libros del género y al sentido común instalado por ellos. En lugar de técnicas que buscan disponerlo a uno de una forma específica ante la vida, el autor propone la vía del Camino Total, un método global inspirado en el zen (aunque en muchos aspectos resulta antizen) que apunta a convertir en fuente de energía y productividad eso que es inevitable en medio de una crisis profunda: el dolor; aprender a convivir con el dolor en vez de huir de él, aceptar la angustia y la depresión, entrenar la resistencia, para adquirir la habilidad del faquir, sin importar el sistema filosófico o la actitud de vida que se adopte.
El resultado: un texto lúcido y erudito que desnuda las paradojas, dogmatismos y caballitos de batalla de la autoayuda habitual desde la filosofía, las disciplinas orientales, la neurociencia y la psicología, y donde no podían faltar alusiones a la literatura, el deporte, la política, el trabajo, la historia reciente del país o las tendencias económicas, a la hora de ejemplificar esas situaciones que hacen imposible no ser sujeto de dolor.

Un libro inclasificable e imperdible que al igual que la gran novela de Benesdra, “El traductor”, exuda genialidad, dolor, desmesura, humor y reflexión, y cuyas significaciones sin dudas trascienden hoy su objetivo primigenio.

“Geometrías del deseo”, de René Girard

“Geometrías del deseo” es el libro más reciente de René Girard, uno de los pensadores actuales más innovadores. La piedra angular de su teoría, el deseo mimético –el que es orientado siempre por aquello que desean los otros–, permanece firme como elemento de comprensión para el indescifrable caos moderno. En un mundo secular en el que los sujetos a adorar que han reemplazado a los dioses se encuentran entre los propios hombres, la obra de Girard cobra especial importancia para entender las relaciones sociales y amorosas.
En esta compilación de ensayos esenciales de René Girard –realizada con gran tino por Mark Aspach– el filósofo retoma algunos de los grandes autores clásicos como Dante, Shakespeare y Racine, e importantes autores contemporáneos como Malraux, Sartre y otros más, para descifrar a sus personajes y tragedias. Con su habitual agudeza, muestra que la literatura es un espejo de los fondos más ocultos de la existencia humana, al ser un arte que ofrece claves para comprender la principal fuerza motriz del actuar humano: el deseo y su desquiciante complejidad.

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