“Mystery Train”, de Greil Marcus

Desde que en 1975 se publicara por primera vez, “Mystery Train” se ha consolidado como uno de los mejores, más clarividentes y fascinantes ensayos sobre la música popular en clave rock jamás escritos. Su influencia no ha dejado de crecer a lo largo de los años y su estética ha marcado el devenir de la crítica musical y cultural. Fue uno de los primeros libros que supo ver —y que puso en evidencia— que el rock & roll no era un arte menor, sino que algunos músicos y bandas, algunas canciones, proyectaban una imagen poderosísima e inextinguible que explicaba tan bien como el Moby Dick de Herman Melville o El gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald la grandeza y contradicciones de América, sus miserias y su gloria, el origen y consagración de sus mitos.
A partir de las canciones de seis músicos y bandas capitales, Greil Marcus traza la geografía emocional y el Zeitgeist de todo un continente: del revulsivo de Harmonica Frank pasando por el atormentado universo del blues diabólico de Robert Johnson; de The Band y su sueño por construir una comunidad desde el desarraigo a las fricciones y terrores que en esa comunidad estallan de Sly and the Family Stone; del talento en los márgenes de la industria y la lucha por la libertad creativa de Randy Newman hasta la ambición y talento desmedidos, debacle y resurrección de uno de los iconos más incontestables del rock y del siglo XX: Elvis Presley.
A lo largo de los años, Greil Marcus ha ido ampliando la segunda sección de este volumen —una lección magistral de crítica musical—, la consagrada al comentario de la discografía de los músicos anteriormente citados, que en esta edición presenta su versión más actualizada, notablemente más extensa que la anterior publicada en nuestra lengua y con añadidos del autor especialmente escritos para esta ocasión. Esta edición de “Mystery Train” es, pues, la más completa y exhaustiva publicada en cualquier idioma hasta la fecha.

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Martropía. Conversaciones con Spinetta

Con cuatro décadas de trayectoria y más de cuarenta discos grabados -en grupo o como solista-, Luis Alberto Spinetta es sin lugar a dudas uno de los representantes más significativos de la música popular argentina. Creador de letras de hondo lirismo y compositor que abreva en las armonías del jazz y en la esencia melódica de Buenos Aires, Spinetta es también uno de los integrantes más destacados de esa generación mítica que dio vida al rock argentino.

Durante más de cinco años, Juan Carlos Diez compartió incontables horas con el Flaco, a lo largo de tardes y madrugadas, en una cocina aromada de especias y en un estudio de grabación, frente a mates espumosos y en sobremesas de música y reflexiones. El fruto de esos encuentros es esta hoja de ruta arbitraria que nos permite asomarnos al universo de este artista singular. Sus influencias musicales, sus vivencias y sensaciones, sus obsesiones, su música y sus pensamientos sobre la actualidad, conviven con Castaneda y El Bosco, Jimi Hendrix y Los Beatles, Artaud y Bataille, Piazzolla y el Capitán Beto.

La discografía completa y una selección de letras de canciones, que incluye tres temas inéditos, integran esta obra ineludible para quienes quieran conocer en profundidad al artista y también para todos aquellos que, conociéndolo, busquen reconocerse en su trayectoria.

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Charly García x 2

No digas nada. Una vida de Charly García.

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La primera parte de este libro fue escrita entre 1993 y 1997, fecha de su publicación. Durante ese tiempo, Sergio Marchi siguió tenazmente a Charly García, la estrella más importante del rock argentino. El papel de testigo acordado con el artista se vio alterado en muchas ocasiones pues el autor debió cumplir diversas funciones como confidente, plomo, baterista, manager circunstancial y otras menudencias. De ese viaje surgió “No digas nada”, libro que narra toda la historia de Charly García, y que en esta nueva edición, a diez años de la original, suma todo lo acontecido desde su aparición hasta 2007.
Esta actualización que ahora presentamos contiene, además del libro original, una nueva introducción, textos adicionales y siete capítulos más en los que se pueden leer historias como la de la zambullida de nueve pisos en Mendoza, la presentación en Cosquín con Mercedes Sosa, su
encuentro con Marilyn Manson, su pelea con Andrés Calamaro, la reunión de Sui Generis, la verdad de su relación con Carlos Menem y muchas otras. Es una década entera en la vida de un músico excepcional no sólo por su talento, sino también por su lucidez y su poder de autodestrucción.

Charly en el país de las alegorías

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La alegoría destruye nuestras expectativas de que las palabras dicen lo que significan. Si bien ha sido estudiada en el cine, las artes plásticas y la literatura, pocas veces ha sido abordada en la música popular. La obra de Charly García, uno de los más importantes representantes de la historia del rock argentino y latinoamericano, constituye una inmejorable forma de entender las diferentes maneras de expresar ideas a través de letras de canciones. Formado en la música clásica e interesado en la literatura mitológica combina elementos antiguos y nuevos, revitalizando el uso de esta estrategia retórica de larga tradición, que en sus canciones resurge y se renueva. Cuando, por ejemplo, en 1980 cantaba, desafiante, la Canción de Alicia en el país, nos quería decir mucho más de lo que a simple vista parecía, pero para entenderlo, había que esforzarse en descifrarlo. Este libro intenta desmenuzar la poesía de este alegorista de nuestros tiempos, llegar al eje de su texto, descubrir cuál es su estrategia, su secreto, por qué sus composiciones nos maravillan, nos emocionan y muchas veces nos resultan enigmáticas.

“Los Beatles como músicos”, entre 1966 y 1970

Un texto fundamental para entender el fenómeno de los Beatles a partir de su evolución como compositores. “Los Beatles como músicos” expone gran material documental y teórico para entender el fenómeno de una banda que, desde la música popular, realizó aportes fundamentales a la historia de la música universal. Walter Everett aborda, desde una perspectiva musicológica, uno de los momentos fundamentales de la historia de la banda a todo nivel: interpretativo y compositivo, el período que va de 1966 a 1970. Un trabajo agudo y sin precedentes que analiza las transformaciones del grupo de Liverpool en forma individual y grupal.

A pesar de la fama y el éxito comercial que obtuvieron los Beatles a lo largo de su carrera, hasta la llegada de este libro su música en sí, sorprendentemente, no había recibido una atención muy detallada. La influencia del grupo no se puede reducir solo al aspecto cultural o a la moda: los Beatles tuvieron muchas ideas nuevas sobre melodía, armonía, contrapunto, ritmo, forma, colores y texturas. Sin mencionar lo innovador de sus letras; tanto los temas como la poesía de los Beatles son partes fundamentales de lo que hizo (y todavía hace) a este grupo tan importante, tan popular y tan imitado.

Este libro presenta un estudio cronológico exhaustivo de todos los aspectos de la vida musical del cuarteto de Liverpool, incluyendo un completo análisis de la composición, la interpretación, la grabación y el contexto histórico, durante el período de 1966-1970, el último y más trascendente.

Una obra profunda y reveladora acerca de los Beatles como compositores y sus cambios a lo largo del tiempo, considerada por la crítica como una de las contribuciones más importantes realizadas hasta el momento a la bibliografía sobre el grupo.

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Diccionario de música, mitología, magia y religión

“Con carácter enciclopédico y didáctico al tiempo, este diccionario de referencia (de ábafis a Zeus registra su abanico de entradas) sorprende por su dinamismo y homogeneidad. Música, religión, mística y magia se alternan en casi dos mil páginas de erudito saber de la mano de un autor cuyos libros son una referencia en el mundo musical”.

Toni Montesinos, La Razón

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En este diccionario sin precedentes, Ramón Andrés, poeta, ensayista y a la vez reputado estudioso de la música, nos acerca al análisis de la naturaleza y los sonidos, así como a la interpretación de los símbolos que en ellos se contienen, al nexo de unión que la música establece entre los dioses y los hombres, que constituye, al cabo, una detallada muestra de la evolución del pensamiento humano. Mitologías como la griega, la hindú, la céltica o la escandinava, permiten adentrarnos en las grandes leyendas de la cultura indoeuropea, conocer a los héroes transformados en arquetipos de nuestra cultura, desvelar el contenido simbólico del Universo, los árboles, las plantas alucinógenas y los animales, que forman parte de un extraordinario escenario mágico que acogió la primera historia del hombre y que se recoge en la música. Un trabajo de hondo calado que no nos propone sin embargo la mera consulta aislada de sus voces, sino que se convierte, por derecho propio y en su lectura lineal, en una obra de referencia amena y entretenida.

Postpunk. Romper todo y empezar de nuevo

Si bien existen cientos de libros que documentan aquellos años en los que el punk desafió al status quo de la música con su nihilismo de tres acordes y la ética ‘do it yourself’, “Postpunk. Romper todo y empezar de nuevo” es el primero en recuperar a aquellas bandas que supieron ver en las condiciones generadas por el punk la oportunidad para establecer una verdadera ruptura con la tradición y experimentar por fuera de los estrechos parámetros del rock. Entregados a la tarea de profundizar la revolución iniciada por el punk, grupos como PiL, Joy Division, The Fall, The Slits, Devo, The Residents, Throbbing Gristle o Liquid Liquid exploraron territorios previamente desconocidos al incorporar las técnicas de producción del dub y la música disco, las radicales estrategias compositivas del krautrock, la música contemporánea, el free jazz y el groove, y la economía sonora del funk. Pero no solo de música se alimentó el postpunk: Cabaret Voltaire tomó prestado su nombre de Dada; Pere Ubu adoptó el suyo de Alfred Jarry; Gang of Four, inspirado por Brecht y Godard, trató de deconstruir el rock; los letristas absorbieron la ciencia ficción radical de J.G. Ballard, Philip K. Dick y William S. Burroughs; y bandas como The Pop Group o Contortions se inspiraron en el teatro de la crueldad de Artaud para romper las barreras entre el público y el escenario. Al purismo estridente del punk, el postpunk le opuso eclecticismo e hibridez. Y a su tradicionalismo rockero, un imperativo de cambio constante.

Escrito seis años antes que “Retromanía”, en este libro el crítico británico Simon Reynolds le rinde homenaje a una de las últimas vanguardias que dio el rock, “más que un género musical, un espacio de posibilidades que engendró incontables géneros y escenas”. Si bien aquellos años del postpunk que van de 1978 a 1984 vieron nacer a muchos grupos que luego gozaron de una enorme fama –como New Order, Depeche Mode, The Cure o U2– su historia no fue escrita por los vencedores: muchos de ellos grabaron discos innovadores pero nunca alcanzaron más que el estatus de grupos de culto, teniendo que conformarse con haber influenciado a megabandas como Red Hot Chilli Peppers, Nine Inch Nails o Radiohead o alimentar la retromanía actual de bandas neopostpunk como The Rapture, LCD Soundsystem, Franz Ferdinard o Interpol.

En tiempos en los que la creatividad musical se encuentra ahogada por el archivismo y el revivalismo, “Postpunk. Romper todo y empezar de nuevo” recupera la memoria perdida de una época en la que el pasado era un canon al que había que desafiar, y el futuro un horizonte de infinitas posibilidades.

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El canon del jazz

Hay una serie de temas “clásicos”, los estándares del jazz, que hemos silbado, tarareado o incluso tocado más de una vez, quizá sin saber el título ni el compositor, ni la historia que tienen detrás. Y, aunque sí conozcas quién y cómo compusieron “Milestones” o “Blue Moon” o “St. Louis Blues”, ¿podrías decir quiénes han sido sus intérpretes más diestros, las mejores grabaciones de ese tema o en qué bandas sonoras famosas aparece?
Todos estos datos y más, junto con anécdotas jugosas, opiniones, un poco de crítica y hasta algunos rumores, contiene este libro torrencial, todo un alarde de erudición, amor al género y capacidad narrativa de Ted Gioia, que esta vez se concentra en el repertorio clásico del jazz tras escribir la historia de esta música y de sus intérpretes (“Historia del jazz”).
La mejor introducción para nuevos aficionados, la guía más útil para fans e intérpretes, y la obra de referencia para estudiantes y profesores.

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“Líneas paralelas”, de Charly García

Cuando Charly García suba al escenario del Teatro Colón para ofrecer los conciertos del 23 y el 30 de septiembre, habrá sucedido además otro evento, diferente pero no menos original: estará en librerías “Líneas paralelas”, algo que en las propias palabras del músico se define como “una ciencia ficción musical by Carlos Alberto García Lange”.

Un dispositivo artie de dibujos, bocetos, collages, anécdotas, críticas y textos manuscritos. Un artificio urgente y posible. Charly García habla sobre música, sobre su propio lugar en el mundo del rock, su último regreso después del último estallido, el papel de las drogas, los psicólogos y la psiquiatría. Una puesta al día, un balance reflexivo de un Charly que, una vez más, se anticipa a lo que digan de él porque vuelve a reinventarse.
El prólogo, que firma Charly, es una declaración del núcleo duro que lo obsesiona por estos días. Si alguna vez intentó un concierto cuadrafónico, si en otro momento quería arrojar muñecos al Río de la Plata desde helicópteros como una puesta en escena de los vuelos de la muerte (idea arrumbada ante la oposición de Hebe de Bonafini), ahora su discurso apunta al número dos: dos líneas paralelas, un acorde sin la tercera nota. Un discurso en que caben desde Jimi Hendrix y Woody Allen hasta la ambulancia que se aleja por la avenida.

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“A menos que ignoremos la física, sabemos que las líneas paralelas no se tocan o cruzan y que su destino es andar por siempre cerca, pero no juntas. Una ambulancia aúlla, alguien la escucha y nota que el canto de la sirena empieza a decaer y hacerse más grave sin que haya habido ninguna modificación mecánica y sin haber sido manipulada de cualquier forma. El cielo no es azul. Una broma puede ser una tragedia entre la emisión de una onda sonora, lumínica o lo que sea. Lo que escuchamos en el caso de la ambulancia es algo que atravesó el aire u otros elementos como el agua, gases, etc. y en el trayecto cambió su afinación, su forma, su alma. En el espacio, los universos –o lo que sea que haya ahí afuera– todo es silencio. Hendrix podría estar tocando ‘Voodoo child’ y nadie lo escucharía. Ubiqué las líneas paralelas como las de un tren o pista de lanzamiento de naves espaciales. Estas dos líneas son notas: Sol y Re. Dos notas (número insuficiente para formar un acorde base inamovible de la música que fue, es... y ¿erá?) La tercera define el alma del acorde, ya que si es mayor, transmite alegría. Y ya que si es menor (un semitono abajo), provocará tristeza. En estas palabras introductorias les quiero hacer saber que esto no es una teoría para destruir la música y que todo lo que se ve o se escucha, hay que tomarlo como a una película de Woody Allen, donde algo absurdo o imposible se da por sentado ya que estamos ante un cuento de música-ficción y en el fondo una alegoría sobre los seres humanos. Sobre los que cantan, sobre los que escuchan, y la relación de esas líneas paralelas que se necesitan para existir. Y lo más importante: el espacio. Gracias por venir al estreno de “Líneas paralelas” (artificio imposible) Les dejo un pensamiento del ya citado Hendrix: ‘La música no son las notas, es el espacio que hay entre ellas’.”

Libros y Rock n' Roll

“10 discos del Rock Nacional” Presentados por 10 escritores.

El disco, uno de sus principales emblemas, guarda, además de canciones, recuerdos personales, experiencias y deseos, y nos conecta directamente con las múltiples dimensiones del contexto cultural de su producción.
Este libro reúne las impresiones, críticas y experiencias de diez autores –críticos de rock, de arte, ensayistas, poetas, dramaturgos, músicos, sobre diez discos del repertorio del rock nacional que ellos mismo escogieron para comentar. En esa confluencia se conjugan perspectivas disímiles y estéticas opuestas en la mirada particular de cada autor. Desde una exégesis de la lírica o desde una reflexión sobre la materialidad del sonido, desde la experiencia personal o el proceso productivo, los autores aquí reunidos logran formar un mosaico cabal de los últimos treinta años de la cultura rock en Argentina.
El desafío de cantar en castellano; la reformulación de los estándares del rock desde una psicodelia autóctona y crítica; la influencia de la filosofía en la lírica de Miguel Abuelo; la pregunta por la escucha; la poética ilimitada de Solari; los sonidos no musicales de Sumo; el impacto del punk en los adolescentes; el corrimiento de los límites de una estética; el disco como libro de cuentos; el contrapelo del rock local. Todos estos temas y otros más son abordados de modo original en este libro.

Canciones argentinas (1910-2010), de Sergio Pujol

Podrán cambiar las vías y los soportes, como han cambiado los sonidos y los lenguajes a través de los años. Pero, en cierto modo, esa conjunción químicamente feliz entre unas pocas estrofas y una melodía nunca dejará de ser un misterio.
¿De qué misterio están hechas las canciones favoritas de los argentinos? ¿Sobre qué hablan sus letras y sus melodías? ¿Qué dicen sus compases acerca de los gozos y las sombras del país a lo largo de cien años?
En este nuevo libro, Sergio Pujol se sumerge de lleno en esas cápsulas privilegiadas de memoria colectiva. El historiador y ensayista conjuga sus recuerdos de melómano con datos de archivo para pasar revista al canon de la música popular argentina: tango, folclore, rock, bolero, canción romántica. Evocativas o incitadoras, coyunturales o duraderas, líricas o narrativas, amorosas o testimoniales, este recorrido personal por las canciones es un muestrario múltiple y diverso de géneros, artistas, épocas y ritmos, y una historia social del país a través de su música.
Entretenida y erudita a la vez, “Canciones argentinas (1910-2010)” es una antología crítica única en su especie, que invita a leer y escuchar una y otra vez.

“Filosofía ricotera”, de Pablo Cillo

El discurso de Patricio Rey entendido como ruptura o borde, como el punto de partida simbólico a partir del cual podemos comprender al mundo. El filósofo Pablo Cillo, director de la Escuela de Rock Palermo Sounder, confirma con este trabajo monumental, la existencia de una filosofía ricotera, recorriendo disco por disco, tema por tema la obra poética del Indio Solari.

Antologia del Rock Argentino, de Maitena Aboitiz

Es una selección con lo mejor del material reunido durante 4 años de investigación. Es el resultado de más de 40 entrevistas, a través de las cuales la autora recopiló 120 historias de canciones de 50 bandas y solistas del rock argentino.

“Cerdos & Peces, lo mejor”, de Enrique Symns

«Ya he contado en El señor de los venenos cuál era el ambiente y la actividad, la forma de vida que se cultivaba en ‘Cerdos y Peces’; más que una revista se trataba de una guarida, un aguantadero, un refugio antivirus, un albergue, un laboratorio. ¿Éramos conscientes de estar haciendo algo completamente innovador en Argentina? Muy probablemente no. Cuando apareció el título, y debajo de él la brillante bajada que inventó Gabriel Levinas: «La revista de este sitio inmundo», me entrevistaron por radio y me preguntaron si consideraba que Argentina era un país inmundo. Esa actitud escandalosamente moral del entrevistador es una postura que sigue caracterizando a los medios argentinos, a los intelectuales y a los periodistas que tienden a convertir la vida nacional en una especie de santuario. Y de esa manera el panteón está lleno de próceres como Mercedes Sosa, Alberto Olmedo, Fontanarrosa, Sandro, de quienes nunca se señala la zona oscura y malvada que afortunadamente tenemos todos y que es la zona más rica y creativa. Estoy harto del ser nacional, de la argentinidad, de esa forma que tiene la clase media, en dictadura o en democracia, de persistir en sus viejas enfermedades, sus virus más antiguos, su falta de generosidad, sus formas más inexploradas de anatematizar el éxtasis.  

En realidad, estoy harto de mi pasado; y si vuelvo atrás, verdaderamente atrás, a mi pasado auténtico, siempre recuerdo al niño que fui, la ingenuidad ignorante y peligrosa en la que consistió mi vida, mis relaciones amorosas, mi intervención en la revista en la que exploré caminos desconocidos con la osadía de un niño, jugando con un barco de papel.»

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La “Historia del jazz” de Ted Gioia

Cuando se publico por primera vez este libro en 1997, el crítico del Washington Post Jonathan Yardley publicó este comentario: "Si está buscando una introducción al jazz, aquí la tiene. Si conoce bien y ama el jazz, he aquí su vademécum. Yo tengo intención de seguir leyéndola durante el resto de mi vida (…) Es la obra definitiva: enciclopédica, exigente, perceptiva y sumamente legible. Con su publicación, ya no se puede decir que la bibliografía jazzística no haga justicia a la propia música".

Músico e historiador, Ted Gioia une en “Historia del jazz” los conocimientos del erudito con las virtudes expresivas del divulgador entusiasta para componer el más completo panorama de este género: desde su prehistoria y la temprana africanización de la música americana, hasta las semblanzas de las grandes figuras del siglo XX y de los distintos estilos y geografías.

Una autorizada obra de investigación que, sin embargo, no escatima el placer de las palabras.

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John Lennon: los años en Nueva York

Los años que John Lennon vivió en Nueva York fueron de un gran desarrollo profesional y personal. “John Lennon: los años en Nueva York”, que abarca desde 1971 hasta 1980, es un retrato extraordinario e íntimo de Lennon a través del enfoque y la pluma de una de las personas que mejor lo conoció: su amigo y fotógrafo personal Bob Gruen. Desde el concierto ‘One to One’ en el Madison Square Garden hasta el regreso de Lennon a Nueva York, proveniente de su “fin de semana perdido” en Los Angeles; desde el nacimiento de Sean Lennon hasta las sesiones de grabación de su último álbum, Double Fantasy, las imágenes de una década de amistad entre ambos (algunas de las cuales jamás fueron vistas) sorprenden y emocionan.

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La "Antología sustancial" de Vinicius de Moraes

La obra y la figura del poeta y músico brasileño Vinicius de Moraes es tan querida y está tan difundida dentro como fuera de su país y más allá de América del Sur. Sus poemas y canciones son parte de un patrimonio latino, que junto con los versos de otros trovadores enriquecen el repertorio amoroso. Esta Antología sustancial bilingüe se compone de cien poemas conocidos en vida o tras la muerte de su autor y veinte canciones de las distintas duplas creativas que Vinicius tramó con músicos brasileños: una de ellas, un tango. A este entrañable conjunto de su obra se suma en la presente edición una completa cronología y una rica entrevista al poeta, realizada por amigos. Vinicius –para quien la vida era incomprensible sin poesía– falleció en 1980, antes de cumplir los 68 años. Se dice que tenía planeada una fiesta bajo el lema “Vat 69”, tal como la famosa marca de whisky, sólo que en portugués “vat” se pronuncia igual que “vate”, poeta. La presente Antología sustancial conmemora el centenario del nacimiento de Vinicius de Moraes.

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“Rojo Floyd”, un viaje por la galaxia Pink Floyd.

“Rojo Floyd” es un acontecimiento literario único. Una novela hermosa y original, un fervoroso viaje por la galaxia Pink Floyd. Sirviéndose de los recursos del documental tanto como de los más puros artilugios de la ficción, Michele Mari recrea los testimonios de una galería de personajes relacionados con la banda –reales e imaginarios, vivos y muertos– para armar un rompecabezas que se lee con vértigo y emoción. La novela da voz no solo a los integrantes del grupo inglés o a figuras como David Bowie, Brian Jones, Stanley Kubrick o Alan Parsons, sino también a protagonistas de canciones, fans, familiares y amigos. El corazón mítico y sentimental de esta historia es, por supuesto, el “Diamante Loco” Syd Barrett, el misterioso miembro fundador que acaso tuvo que quedar en el camino para que Pink Floyd llegara a ser la leyenda que hoy es. “Rojo Floyd” es un juego literario divertido, inteligente y audaz, y una de las mejores novelas sobre el rock jamás escritas.

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Por esta obra Michele Mari, uno de los autores más prestigiosos de las letras italianas contemporáneas, recibió los premios Frignano 2010 y Procida-Elsa Morante 2010.

El canto de las sirenas

La música es algo más que un fenómeno estético: es una gnosis, una auténtica vía de conocimiento que Eugenio Trías (autor de una de las trayectorias filosóficas más sólidas que ha conocido nuestro país) ha reconstruido en un compendio de ensayos consagrados a insignes compositores, en un recorrido que va desde Monteverdi hasta las últimas vanguardias musicales.

Los “misterios gloriosos” de Bach, la dualidad de lo trágico y lo cómico en Mozart, los grandes relatos de Haydn, el estilo heroico de Beethoven, el concepto de obra total en Wagner, el espíritu creador de Mahler, la nueva teología musical de Schönberg, la noche eterna de Béla Bartók, los sacrificios de Stravinski, el panteísmo sonoro en Cage o la arquitectura musical de Xenakis, comparecen en estas páginas para revelar sus claves internas, sus relaciones, sus antagonismos y similitudes, sus oposiciones y especificidades. El resultado es no sólo una excelente colección de ensayos individuales donde podemos apreciar a los grandes compositores bajo una luz distinta, sino también un argumento narrativo: una apasionante historia de las ideas a través de la música. O como el mismo autor sugiere, tal vez “El canto de las sirenas” constituya el Gran Relato que algunos de los mejores músicos occidentales han ido escribiendo a lo largo de los últimos cuatrocientos años.

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O juremos con gloria morir...

A 200 años de la creación del Himno Nacional Argentino, presentamos la reedición de un libro clásico y fundamental que recorre su historia desde los orígenes hasta los albores del siglo XXI.

Un análisis original y preciso que explicita los significados y las apropiaciones de las que fue objeto a lo largo del tiempo esa canción que hizo la historia del país y ayudó a identificar al pueblo argentino, y que hoy suena tanto en las fiestas patrias como en los teléfonos celulares.

Una historia cultural y política ineludible sobre uno de los símbolos máximos de la pertenencia nacional.

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En esta nueva edición, Esteban Buch presenta una versión revisada y actualizada de su ya clásico libro de 1994. Un recorrido por la historia del Himno Nacional Argentino, desde su creación en 1813 hasta fines del siglo XX.

Con el retorno de la democracia en 1983, se van abandonando las versiones de tono militar que habían primado hasta entonces y surgen otras más cercanas a los gustos de la gente, que a su vez establecen nuevos tipos de vinculación con la patria. En este sentido, el “himno de Charly” confirma para Buch el surgimiento de un estilo de lo patriótico asociado al rock, al fútbol y a la televisión, y constituye una referencia importante para explorar el imaginario nacional contemporáneo.

Las 50 mejores entrevistas de Los Inrockuptibles

En quince años pueden pasar muchas cosas. Tal vez, aquellos que van de 1996 a 2012 estuvieron marcados a fuego por cambios tan profundos que podríamos hablar de planetas distintos. Y ahí estuvo los Inrockuptibles, la versión argentina del mítico semanario francés, como testigo y parte de un tiempo que se sacudió de lo lindo. En este tiempo pasaron muchas cosas: varios presidentes, dólares, pesos y un par más de etcéteras. Lo que nunca cambió son las entrevistas que vienen haciendo desde que empezaron. En sus entrevistas, el encuentro cara a cara del artista con quien pregunta excede el simple diálogo para ser siempre un poco más: “ojo crítico y espíritu de fan” es la consigna que guía a quienes hacen la revista desde el número cero. Por eso decidieron juntarlas. Música, cine y libros, también arte, actualidad social y política según el rock (rock, claro, entendido como cultura, como una forma de leer y de vivir el mundo que nos toca en suerte.)

Quince años en cincuenta notas dan forma a “Los inrockuptibles: 50 entrevistas”, el primer libro de “Los Inrocks” en cuyas páginas se mezclan David Lynch, Fito Páez, Tim Burton, John Carpenter, Indio Solari, Charly García, PJ Harvey, Gustavo Cerati y varios más.

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"De padre a hija", la biografía de Ginastera

"De padre a hija" es una biografía del gran compositor argentino Alberto Ginastera realizada a partir de la correspondencia inédita que envió a su hija, Georgina, desde Ginebra, Suiza, en los últimos diez años de su vida.

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En el año 2006 Georgina Ginastera encontró una vieja caja, oculta e ignorada durante treinta años, repleta de sobres, fotos, tarjetas de cumpleaños, telegramas y estampillas. Eran las cartas de su padre, una correspondencia recibida durante poco más de una década (entre 1971 y 1982) y preservada a la espera de una nueva oportunidad de ser leída.

A partir de esas cartas, y de largas entrevistas con Georgina, Cecilia Scalisi emprendió la tarea de reconstruir, con talento de novelista y precisión de biógrafa, no sólo las profundidades de ese vínculo único entre un padre y una hija, sino, a la vez, el retrato singular de una figura ineludible, un gran músico venerado y vigente tanto en la Argentina como en el mundo: Alberto Ginastera. “De padre a hija” es un libro íntimo, poético, lleno de nostalgia y de belleza, en el cual el perfil del gran compositor argentino emerge desde una mirada inédita y peculiar: la mirada a veces caprichosa pero siempre inclaudicable que sólo una hija puede dedicar a su padre.

I am Ozzy (Confieso que he bebido)

«Mi padre siempre pensó que yo haría algo grande: “Tengo una corazonada, John Osbourne”, me decía después de unas cuantas cervezas, “o acabas haciendo algo muy especial o acabas en la cárcel”. Y llevaba razón el viejo: antes de cumplir los dieciocho ya estaba en la cárcel.»
Ozzy Osborne

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El máximo vocalista de la escuela demente nunca terminó el bachillerato, pero posee tres títulos nobiliarios concedidos por aclamación: príncipe de las tinieblas, cafre laureado y padrino del heavy metal. Lo que no tiene, sin embargo, es vergüenza ni cordura ni sentido del ridículo. Afortunadamente, cabría añadir, porque habría bastado una pizca de decoro o un poco de amor propio para que este divertidísimo libro no existiera: al fin y al cabo, nadie en su sano juicio confiesa con una alegre sonrisa que acabó en la cárcel por robar tres veces seguidas en la misma tienda, que en su juventud sólo fornicaba con mujeres feas, que orinó contra su futuro suegro, que descabezó una paloma (viva) mediante un certero mordisco frente a un cónclave de ejecutivos horrorizados y repitió luego la operación con un murciélago para espanto de los presentes en uno de sus conciertos, que nada más llegar a una lujosa clínica donde se redimen borrachos arrepentidos preguntó por el bar pensando que en aquel sitio enseñaban a beber con elegancia, que su tarta de hachís rancio puso a un bondadoso párroco en los umbrales de la vida eterna, que se ha dedicado al exterminio de gallinas, que ha expulsado sus peores secreciones en los lugares y momentos menos oportunos… Cosas tan delicadas no se le cuentan ni al confesor salvo cuando uno se ríe de todo y sobre todo de su sombra.

Vida. Memorias de Keith Richards

Asombrando a propios y extraños, Keith Richards ha escrito sus memorias: asombro porque ha podido (ya que a estas alturas nadie sospechaba que iba a conservar la vida o la lucidez suficiente para empuñar el teclado) y asombro porque ha querido (ya que los entes satánicos no suelen acudir al confesionario).
El crítico Nick Kent compendia así su imagen en los años setenta: «Era el gran lord Byron; era un demente, era un depravado y era peligroso conocerlo».

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El aludido disiente con irónica sonrisa, otros insisten, y este libro viene a aclarar posibles malentendidos. Porque aquí se disipan varias nieblas (transfusiones, efusiones, agresiones, etc.) y se presentan finalmente los hechos que el foco de la leyenda había nublado: el uso y abuso de sustancias tonificantes o estupefacientes no adquiridas en farmacias; las variadas discrepancias con autoridades más o menos sanitarias; los encuentros, desencuentros y encontronazos con gendarmes de diferentes países; la empedernida coalición con Mick Jagger; los intermitentes, y a menudo explosivos, contubernios con personajes como Dylan, Lennon, Clapton, McCartney, Marley, Berry o Bowie, por citar a algunos de los más ruidosos; las afinidades electivas con sujetos de mucha cara o siniestra catadura; los amoríos pasajeros, las semanas de pasión y los dos amores contumaces (Anita Pallenberg y Patti Hansen); las extenuantes sesiones de grabación; la apacible vida rural en una mansión de Connecticut franqueados los umbrales de la senectud (aunque no de la madurez si consideramos las penúltimas inhalaciones); los cuentos contados por idiotas... Pero al final, más allá del ruido y la furia (que, como es de rigor, nada significan) emerge la música de los Rolling Stones, esa incesante banda sonora que acompaña nuestras convulsiones desde hace casi medio siglo.

Y ahora... un fragmento de las memorias de Keith, ¿leído? por Keith al estilo de Keith:

Tres libros musicales

Hay en el arte ciertas obras que adquieren su forma y se explican mientras se hacen. En la música, esas obras suelen ser el resultado de la improvisación, de la interpretación indeterminada y del azar compositivo. Los problemas estéticos de estas tres prácticas, y los dilemas vitales de quienes las ejercen, constituyen el asunto de “Formas frágiles”.
La vida de un hombre no alcanza para explicar su música, pero en algunas músicas puede cifrarse una vida. Es lo que ocurre con los nombres propios de este libro, que abarcan un arco que va desde el barroco y el romanticismo hasta el jazz y la llamada música contemporánea. La política, la voluntad mística, el éxtasis, la amnesia, la reclusión y la inminencia de la muerte son algunas de las pasiones que agitan las vidas de John Cage, Johann Sebastian Bach, Lennie Tristano, Franz Schubert, John Coltrane, Karlheinz Stockhausen, Cornelius Cardew y Anthony Braxton. Todos ellos coinciden en la incertidumbre de una obra, en la fragilidad de una forma en la que se inscribe una biografía.

Si hay algo que compartan todas las culturas humanas, en todas las épocas y lugares, es la música. En este libro se argumenta que casi todos, aunque afirmemos tener “mal oído”, somos expertos en música porque nuestro cerebro está muy bien equipado para entenderla, descodificarla, darle significados e incluso crearla.
“El instinto musical” es un libro único en su género, un relato completo de todo lo que se sabe (y mucho de lo que no se sabe) sobre cómo percibimos la música, y qué papel juega en la cultura y en la sociedad.

 

Música y matemáticas. Ciencia y arte. Dos universos aparentemente alejados, que sin embargo mantienen relaciones íntimas. Un gran matemático dijo en una ocasión que la música era "el placer que experimenta la mente humana al contar sin darse cuenta de que está contando". Las conexiones entre música y matemáticas son muchas y fascinantes, desde la relación entre armonía y número que asombró a los pitagóricos hasta las ingeniosas técnicas de repetición y traslación empleadas por Bach, Mozart y muchos otros para componer algunas de sus obras maestras. Este libro nos introduce en el misterio de obras que no se pueden interpretar a menos que se resuelva un enigma, nos desvela el método para componer utilizando dados que expuso Mozart, nos descubre qué hace posible distinguir un violín de una trompeta y nos explica por qué un cantante puede romper una copa de cristal con su voz... Un viaje maravilloso por las conexiones entre la música y las matemáticas.

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